L’artiste Déclic, pionnier du graffiti des années 80 revient avec une exposition aux oeuvres conceptuelles à la Porte Royale à La Rochelle, pour les 300 ans de l’édifice.
Immergé dans le monde du Graffiti depuis le milieu des années 80, Déclic a évolué au fil des années au même rythme que le graffiti est devenu street art et que celui si soit devenu art contemporain urbain et post graffiti.
Son travail porte sur la signature, l’étiquette, la marque; en vue de démontrer la fine ligne entre la culture graffiti, l’art urbain, les enseignes, la quête de visibilité et l’art contemporain. En repoussant les limites de l’exercice; il crée une marque identitaire, le « D » dans un cercle, première lettre de son nom, qu’il a baptisé Declicright, en référence au célèbre Copyright. Celle ci signe toutes ses oeuvres et s’inscrit parfois au coeur du sujet comme un symbole ou un monogramme identitaire. Une signature poussé à l’extrême, parfaite métaphore du graffiti.
Déclic crée un pont artistique entre les graffitis anciens gravés dans la pierre de la Porte Royale et le post graffiti avec des oeuvres en volumes ou en peintures, jouant avec les matériaux qui composent l’édifice: Métal, pierre, bois et or.
À travers ses oeuvres, Déclic nous invite à considérer, comment cette forme d’expression a évolué au fil des années et comment elle continue de se réinventer!
Les Cinq du 5, peinture Moyoshi, vidéo Saturne Action – Le Plessis-Robinson, 2021.
Le 2 juillet sera l’anniversaire de la publication de l’unique témoignage d’un projet graffiti, hommage intime à cette même date, réalisé par Moyoshi. Ce projet est né d’une initiative lancée par Ash Kha et a été mis en image par Patrick Beun, de Saturne Action. À l’occasion d’une rencontre avec ce vidéaste, je retranscris notre échange pour une présentation du projet.
À l’origine du projet, Ash Kha, voulait rendre hommage au lieu où il a grandi, et vivait encore, quand il a appris que l’immeuble allait être rasé. Après chaque départ de locataire la porte en était murée, et après son propre départ en 2021 a germée l’idée d’avoir un symbole pour se souvenir de ce lieu. Étant d’une famille à la fibre artistique, il était logique que le projet le soit.
Sans le connaître, il suivait sur les réseaux le travail de Moyoshi, dont il avait vu dans la rue les Yeux : « La Rue te Regarde ». Ces peintures lui ont parlé et il a imaginé le graffiti sur les portes murées, pour ne pas les laisser blanches et stériles, pour « ouvrir une porte ». Contacté, l’artiste a été botté par le projet, qui lui laissait carte blanche. L’immeuble était en partie occupé, Ash a discuté avec tous les locataires et a eu l’accord de tous. Et a proposé à Saturne Action, association de mise en image qu’il connaissait déjà, de participer à ce projet qui reste, pour eux, le plus singulier et le plus fort à ce jour.
Enthousiasme pour le projet, oui, mais inquiétude dans un premier temps par méconnaissance du graffiti (peur de la violence, du vandale), et donc Patrick choisit de s’équiper de matériel léger et d’y aller seul. Ce sera aussi l’occasion d’essayer de nouvelles choses en GoPro, d’être lui aussi créatif. Une journée de repérage puis c’est la rencontre, et pour lui la découverte de la qualité du travail de Moyoshi, la sympathie, une belle rencontre. Pour lui encore, c’était 3 volontés qui s’assemblaient, sans léser personne, l’aspect créatif du projet leur appartenait à tous les 3.
Une journée d’échange. Moyoshi a eu l’idée de commencer par sonner à la porte murée, qui amorce l’histoire du film. Ash Kha avait choisi les cinq portes, Moyoshi a conçu ses œuvres seul, mais Ash proposait des couleurs différentes pour chaque porte, et sur celle de ses souvenirs, il a eu son mot à dire. Moyoshi travaillait en couleur directe et cherchait autant d’énergie pour chaque, sans pathos, c’est l’ensemble du projet qui faisait sens.
Patrick a fixé ses caméras pour avoir toujours les portes en visuel, tirant partie des formats d’image : plan fixe avec les portes en vertical, et en 360° pour avoir un panoramique long d’une porte à l’autre. La porte se sent au travers de l’orientation de la caméra. Il pensait réaliser un montage très simple, mais la beauté de ce qu’il filmait l’a boosté. Le dispositif plus léger a amené de la créativité, avec du matériel plus lourd il aurait fait plus conventionnel. Et au montage, un décalage dans le codec (30 images/s monté à 29,9 images/s) du logiciel a amené un effet qu’il a découvert sans l’avoir préparé, mais dont il a joué : un effet inattendu de mosaïque surnaturelle qui colle ces images toutes entre elles. Entouré d’un rappel du cadre de masquage des bords de porte dans la vidéo, le clip trouvera sa musique dictée par le rythme des cuts. Publiée sans fanfare, la vidéo est en ligne le 02/07, date symbolique pour Ash Kha, et marque la mémoire de ce lieu, de cette rencontre, de cet hommage.
C’était une initiative cadeau, pour « ouvrir une porte sur quelque chose d’autre ». Il ne sais pas si le site est encore accessible aujourd’hui. Il n’a pas eu d’autre projet comparable avec l’association depuis. Mais il suit toujours Moyoshi sur les réseaux, le trouve formidable et serait heureux d’un autre projet.
Merci à Pauline pour la force et la sincérité de son témoignage. L’expo est quasiment terminée au moment où j’écris ces lignes. Mais le travail fabuleux de Kolya et de l’atelier «Aza Nizi Maza» ne s’arrête pas là. Ils développent notamment une campagne d’affiches contre la guerre, encore plus impressionnante…
Va-t’en là d’où tu viens, guerre monstrueuse ! D’après le dessin de Danya Chouchliakov, 12 ans.
Ces artistes Ukrainiens nous rappellent qu’à l’origine, le graff, né dans les quartiers, et tout aussi clandestin, révolté, subversif, populaire, était autant un activisme qu’un art. Sans forcément passer un message précis, il était un pur cri de révolte sociale, aussi rageur que le rap, L’art des writers clamait le refus des tabous et des limites d’une société sclérosée qui les traitait de vandales et les rejetait. C’était sans consentement préalable que leurs signatures, visibles de tous, s’affichaient sur la tribune libre des toits, des rames et des murs. Leurs bombes ne fragmentaient pas les murs de la cité, leurs marques les reliaient comme autant de lianes sensibles dans la jungle urbaine.
Si le graff veut, retrouver une telle force, la rue ou les sous-sols ne doivent plus juste représenter un tremplin pour accéder à la reconnaissance du public des galeries. Il faut y retourner pour que de l’ombre naisse à nouveau la lumière !
Désormais, ces fissures dans les vitres sont comme des déficiences visuelles
D’après le dessin de Denis, 10 ans.L’école de la vie m’a encore donné une leçon !
J’ai vu mon école en feu. D’après le dessin de
Valera, 10 ans.L’ennemi succombera D’après le dessin de
Nastya Chouba, 8 ans.
Enfin, lançons ici un appel pour que l’on organise un programme d’échanges entre des enfants français et ces enfants ukrainiens. Et surtout qu’on les fasse venir à Paris où s’est tenue l’exposition de leurs œuvres si magiques. Quel meilleur moyen d’aider l’atelier de Kolya à développer leur sensibilité et leur talent que de les plonger au cœur des musées et ateliers français ? Quelle meilleure main tendue à ces victimes de la guerre que de leur montrer qu’ils ne sont pas seuls, qu’on est réceptifs à leur art, sensible à leur sort, et que nous aussi croyons que l’art et la culture sont la meilleure réponse à la guerre et à la barbarie ? Si cela vous intéresse de participer, écrivez à la rédaction du magazine, sur le site, sur les réseaux. Fans et artistes de street art, montrons leur qu’il y a d’autres bombes, qui font du bien.
Oui c’est la cour de ma maison et je suis de la
« défense territoriale » D’après le dessin de
Platon Romanov, 9 ans.Les chatons ! Que toutes vos neuf vies soient
préservées ! D’après le dessin de Natsya Tron, 9
ans.
Les enfants du métro : Diana, Marynka, Serioja, Jora, Khrystyna, Nika, Vlada, Sveta, Liocha, Artem, Sacha, et tous les autres.
Plus d’images des œuvres des enfants : AZA NIZI MAZA sur Instagram (@aza_nizi_maza) et Facebook.
« Là où il y a de la lumière, il y a nécessairement de l’ombre, là où il y a de l’ombre, il y a nécessairement de la lumière. » Haruki Murakami, IQ84 (2009)
Travail des enfants sur les piliers de la station Musée Historique du métro de Karkhiv.
Autrefois, les graffeurs étaient tous des Arthur Rimbaud du bitume comme Ernest Pignon Ernest a su l’immortaliser. Comme lui, ils traçaient dur et fort. Comme lui, ils vivaient dans un qui-vive permanent.
Ils étaient artistes, des preneurs de risques. Risque de tomber du haut d’un toit, de s’électrocuter, risque de se faire repérer par les caméras de la RATP, de se faire courser dans les souterrains du métro par des flics de plus en plus énervés. Avec ce risque continu, le tsunami d’adrénaline déferlant dans leurs veines dictait leur vitesse d’exécution, communiquait une énergie tangible à leur art, sculptait leur style, augmentait leur inventivité, clamait leur identité. Ils étaient géniaux.
Aujourd’hui, après des années difficiles de traque sans pitié par la GIPR, les street artists ont enfin pignon sur rue. Beaucoup ont échangé les sprints nocturnes dans le métro contre les ronds de jambes en vernissage. Troquant des murs sales pour des toiles immaculées, ils bombent en atelier en plein jour pour les accrocher en galeries tendance d’art contemporain. Dans le 13ème à Paname, des murs aveugles, labélisés espaces autorisés sont embellis par les fresques murales géantes signées d’Obey et d’autres stars cotées, héritiers du grand Keith Haring. Des tour operators vendent même des parcours de street art aux touristes. Certains graffeurs gagnent bien leur vie, mais en remontant des souterrains à la surface, ce que leur statut a gagné, leur art l’a perdu. Moitié provoc sans fond, moitié plan-plan décoratif, leur art s’est vidé de sa flamme. Ils se sont perdus…
Il fallait rien moins qu’une claque artistique pour espérer revenir aux fondamentaux. Par chance, aujourd’hui, à Paris, une exposition est venue d’ailleurs, nous rappeler que l’art ne nait pas dans les galeries chic de la surface, mais bien dans celles souterraines du métro, seul abri contre les bombardements qui pilonnent la surface.
L’expo « Sous terre et sur terre » nous dévoile le travail d’Aza Nizi Maza, un studio de création artistique à Kharkiv, en Ukraine, qui a travaillé avec des enfants venus se réfugier dans la toute proche station de métro Musée Historique. Véritable street art de guerre, les œuvres que Kolya Kolomiets, directeur de l’atelier, a aidé les enfants à produire, se révèlent d’une puissance et d’une beauté impressionnantes. C’est toute la force de l’identité ukrainienne qui éclate dans ces peintures. Une identité qu’on ne connaissait pourtant pas vraiment en France avant la guerre…
Précisément, pour en parler plus avant aux lecteurs du magazine, plutôt que de faire un énième article de journaliste, je préfère laisser la parole à une artiste et autrice française d’origine ukrainienne. Elle est venue rencontrer Kolya et leur échange, d’artiste à artiste, nous livre un témoignage qu’aucun reporter n’aurait pu obtenir. Attachez vos ceintures. Notre guide s’appelle Pauline Kalioujny, elle nous emmène en voyage, destination Kharkiv…
C’est début octobre 2022, que j’atterris un peu par hasard au vernissage de l’exposition SUR TERRE ET SOUS TERRE, qui se tient à la prestigieuse Société d’encouragement pour l’Industrie Nationale, à deux pas de l’église Saint-Germain-des-Prés, dans le très chic 6 ème arrondissement de Paris. L’exposition (qui migrera ensuite à la Mairie du 11ème arrondissement de paris, jusqu’au 4 novembre 2022), se tient dans le cadre du « Printemps Ukrainien », une initiative culturelle en partenariat avec l’Ambassade d’Ukraine pour faire connaître la culture ukrainienne en France.
C’est l’une des thématiques de leur programmation de septembre – « Nous sommes de Kharkiv » qui m’a électrisée. Artiste et autrice-illustratrice française, née à Paris, mon père est originaire de Kharkiv. J’ai encore de la famille éloignée, là-bas sous les bombes. Cette guerre me retourne le cerveau, et rebat les cartes de mon histoire personnelle… De plus il s’agit d’œuvres d’enfants, domaine que je connais bien par mon métier d’autrice-illustratrice. Je sillonne en effet la France et ses mille salons du Livre jeunesse, pour mener les rencontres, lectures et ateliers, qui me font vivre et nourrissent mon travail d’artiste. Je suis, au fil des années, de plus en plus fascinée par l’énergie créative des enfants.
SUR TERRE ET SOUS TERRE est une exposition d’œuvres d’enfants réalisées dans le métro de Kharkiv, pendant la première vague de bombardements. C’est le créateur du Studio-laboratoire artistique AZA NIZI MAZA de Kharkiv – Mykola Kolomiets qui a impulsé ce projet artistique, parant à l’urgence vitale et à la violence de la guerre subie plus particulièrement par les plus jeunes. En effet tous les enfants qui ont participé au projet ont été les victimes directes de cette guerre, et continuent d’en subir les conséquences ; le père de tel enfant est actuellement au front, un autre a perdu ses parents. Beaucoup ont vu leurs maisons détruites par les bombardements et n’ont nulle part où aller. Mais je laisse la parole au Studio AZA NIZI MAZA lui-même : À 5 heures du matin, le 24 février 2022, la Russie a commencé à bombarder sans relâche Kharkiv avec des missiles balistiques, de l’artillerie à roquettes et desbombes aériennes, et les chars et les “Tigres” russes sont entrés dans les rues de la ville.
Le sous-sol où le studio Aza Nizi Maza fonctionnait ces dernières années est devenu un abri anti-bombes. Les habitants des maisons voisines et les étudiants étrangers confus s’y sont cachés pendant le printemps. Le chef du studio (Mykola Kolomiets) maintenait la vie de cette « auberge » et, en mars, il est allé travailler avec les enfants qui vivaient dans un autre abri anti- bombes (…). Pendant trois mois, la station de métro s’est transformée en une petite ville avec son propre mode de vie. Là-bas, à la station, les gens faisaient griller du poisson et faisaient pousser des oignons dans des pots. Les enfants faisaient du vélo et du skateboard sur le quai ; certains dormaient dans des wagons « garés », d’autres – dans des tentes ou simplement des matelas posés sur des dalles de granit. Parfois, les enfants ne remontaient pas à la surface pendant plusieurs jours – la ville était pilonnée et bombardée.
Pour la première fois depuis longtemps, l’artiste a travaillé avec des enfants qui se sont retrouvés dans des ateliers d’art par hasard. Ce n’était pas le travail habituel de l’atelier – au début, il fallait juste que les enfants aient quelque chose à faire, pour les distraire de l’attente infinie de l’occasion de sortir à la lumière. Mais après un mois de travail commun, la station s’est transformée en un espace d’exposition. Les colonnes ont servi de base à des figures de trois mètres de haut représentant des personnages importants pour les enfants ce printemps : militaires, volontaires, médecins et enfants eux-mêmes.
Ces personnages symboliques, politiques et raides, font rapidement place, dans l’exposition, à des représentations plus poétiques, qui racontent davantage la psyché des enfants en temps de guerre. Parmi les détails, beaucoup de chats, constamment sauvés par les soldats ukrainiens, mais aussi des maisons bombardées, des anges, des jouets d’enfants et des fleurs, beaucoup de fleurs. Les fleurs sont très présentes dans la culture ukrainienne, très reliée à la Terre nourricière. Il y a aussi des panneaux didactiques, qui demandent que l’on s’approche et que l’on prenne le temps de les lire et de les comprendre. On y découvre le processus créatif des enfants, et l’organisation de la vie dans ces abris anti-bombes de fortune.
Après avoir quitté la station de métro, les enfants, pour qui cette expérience « sous terre » a été une initiation à l’art, ont voulu continuer de dessiner. Une fois revenus « sur terre », les enfants sont venus dans le studio pour prendre des cours, cherchant ainsi une nouvelle voie. Kolya travaille avec eux gratuitement, car leurs parents ne sont pas en mesure de payer les cours. Après l’exposition, Mykola Kolomiets, alias Kolya, fondateur du Studio Aza Nizi Maza, et Ivanna Skyba-Yakubova, attachée de relations publiques qui présente le travail du studio à Paris, prennent la parole pour présenter au public le projet. Si vous avez du mal à retenir cette étrange formule magique, le titre « Aza Nizi Maza » fait référence au film culte de Federico Fellini « 8½ ».
Le cinéaste Guido Anselmi (joué par Marcello Mastroianni), qui se trouve dans une profonde crise créative, se souvient de son enfance : un petit garçon croit sincèrement qu’il saura où trouver letrésor dès qu’il aura prononcé la formule : « Aza Nizi Maza » (le mot «ANIMA», « l’âme », est prononcé d’une manière particulière). Ils ont l’air fatigués, tous les deux, les traits creusés, le teint pâle. Ils arrivent tout juste de Kharkiv. Ils me confieront plus tard qu’ils n’arrivent même pas à profiter de Paris, ni même à réfléchir aux suites du projet. Ce sont des gens confrontés à l’urgence d’un quotidien très difficile. Ils repartiront dans leur pays à feu et à sang dès lundi : parenthèse dérisoire que leur passage à Paris, crève-cœur…
Sur l’écran derrière eux, Ivanna montre des diaporamas d’oeuvres enfantines d’une très grande force créative, réalisées dans le studio depuis le début de la guerre amorcée par la Russie sur le territoire ukrainien en 2014, par des gosses de 8-10 ans, sous l’égide d’enseignants adultes qui les aident à se positionner par une bonne connaissance de l’histoire de l’art, et les poussent à s’affirmer dans des pratiques artistiques diverses, sur de très grands formats parfois.
Les images fracassent l’écran. Elles me percutent en pleine face. J’ai les yeux ronds comme des soucoupes, tout comme ce petit bonhomme ukrainien de trois ans, blond comme les blés, assis là, juste derrière moi et qui scrute longuement les dessins. Il ressort de ce travail collectif en studio, une transmission de la créativité vraiment exceptionnelle, et un très grand respect de l’Enfant. « Nous avons voulu créer une sorte de bulle paradisiaque pour eux, dans laquelle ils puissent s’exprimer, et accéder au bonheur que procure la création, au plaisir dusuccès et du retour avec le spectateur (…) Il est très important pour nous que le travail des enfants-artistes soit valorisé comme une véritable pratique artistique. Nous ne disons jamais comment peindre, nous proposons de réfléchir ensemble à comment rendre l’œuvre plus intéressante, plus profonde. Nous proposons de voir comment les artistes de différentes époques ont résolu des problèmes pareils ».
Après l’événement, Iryna Piontkovska, l’attachée de presse de l’Initiative Printemps Ukrainien, me présente Kolya. Petit bonnet orange électrique vissé sur la tête, le regard perdu à l’intérieur, il semble en conversation parallèle avec un autre monde. Je suis une artiste, et je comprends cela. Un artiste est souvent à cheval entre deux réalités ; nous sommes des traits d’union…
La rencontre est exotique, car la conversation est menée selon un mode un peu officiel, qui n’a rien avoir avec la nonchalance hypocrite des discussions dans les vernissages parisiens. Nous communiquons par interprète interposé, car je ne parle pas ukrainien, à peine quelques mots de russe, qui crispent intensément mon interlocuteur, ce dont je ne peux lui en vouloir. Alors je raconte à Kolya ce qui m’a amenée à l’exposition, que je suis née en France mais que mon père vient de Kharkiv, qu’il a vécu une grande partie de sa vie à Moscou, avant de s’installer en France. Que jusqu’ici, ça n’avait jamais été clair pour moi : étais-je à moitié Ukrainienne? Ou à moitié Russe? Ces derniers temps je disais même « Russe d’Ukraine »….
Plus tard, au collège, j’avais appris les bases du Russe. Et quand j’ai voyagé pour la première fois à l’Est, à l’âge adulte, vers cette terre inconnue, c’est à Moscou et en Sibérie que je suis allée. C’est paradoxalement cette guerre qui subitement révèle laculture originale de l’Ukraine. Je lui découvre des expressions slaves différentes. La langue déjà, dont je ne comprends pas un mot, à la différence du Russe. Un lien très fort à la terre et aux éléments naturels, presque chamanique, et une grande modernité de ton et d’esprit, bien en phase avec les enjeux contemporains. Kolya me confirme que les jeunes enfants qui passent par son atelier sont très ouverts d’esprit, et tournés vers l’extérieur. Que la guerre les pousse malgré eux à mûrir plus vite.
Mais la communication reste difficile. Je comprends bientôt que ces ukrainiens venus à Paris sont plongés dans une sorte de sidération, et qu’ils vivent probablement une sorte de cauchemar éveillé. Quand je lui demande si cela l’intéresse de se lier avec le réseau de la littérature de jeunesse en France; il me confie avec un sourire désemparé qu’il n’en sait rien, qu’il se concentre sur le présent, et qu’il culpabilise d’être là, à Paris, alors que les enfants du Studio restent à Kharkiv sous les bombardements. Qu’il aimerait bien les faire venir, si c’était possible, afin qu’ils connaissent un peu de répit.
Je me retrouve à mon tour désemparée et impuissante. Je ne sais plus comment trouver du sens à notre échange.
Après avoir réfléchi quelques instants, je continue : – « Je n’ai pas d’intérêts politiques ou financiers à notre rencontre. Je ne suis qu’une artiste. Je travaille moi aussi beaucoup avec les enfants, et j’ai donc une manière de penser un peu magique et enfantine. Je crois profondément que l’art est une manière de survivre à tout, et possède cette grande force pour tisser des liens et permettre la résilience. Peu importe ce qu’il va ressortir de cette rencontre France-Ukraine, mais ce sont des graines, qui germeront peut-être dans un avenir plus ou moins proche, qui sait? Ce qui compte, c’est de rester vivants et créatifs au milieu du chaos, et que le public français connaisse votre travail. C’est un travail magnifique ! – « Le studio volera peut-être en éclats dans les prochains mois », me répond Kolya. C’est un endroit connu en Ukraine, et si les Russes reprennent Kharkiv, ils détruiront le studio. » – « Peut-être, mais il y a déjà des images qui voyagent en Europe, et qui fleurissent dans d’autres esprits. Vos œuvres vivent déjà ailleurs qu’à Kharkiv. Tant que vous continuez à dessiner et à partager, alors tout ira bien. » – « C’est aussi ce que je crois », répond-il.
Nos regards se rencontrent pour la première fois, et l’on se sourit avec le cœur. Ça y est : communication France-Ukraine établie !
Pauline KALIOUJNY Pauline n’est pas une invention de journaliste, mais une artiste autrice bien réelle. Voici son site : https://paulinekalioujny.com/
Un nouveau compte instagram s’est lancé il y a quelques mois. Objectif : publier des photos d’archives de tag et graffiti de La Réunion !
Un compte qui a « popé » après les festivals de graffiti et street-art de l’île. Créé par un jeune passionné et graffeur admiratif des anciens tels que SORGA, JACE, PTM, EKO, 3GC … qu’il a gardé précieusement dans son smartphone !
Une mine d’or pour les plus anciens du graffiti et une précieuse « iconothèque » pour les jeunes qui s’intéressent au graffiti.
Paris Tonkar magazine 